miércoles, 6 de julio de 2022

  

  

La popularidad de los vinilos y los casetes continúa en aumento. 


 

Es indiscutible que la era digital ha cambiado la manera en la que se consume la música, pues mientras antes el acceso a los nuevos lanzamientos era más limitado, ahora estos están tan solo a un clic de distancia. Pero contrario a lo que se creería, formatos físicos como el vinilo e incluso el casete han tenido un regreso extraordinario.

Esta información está respaldada por un nuevo estudio de la Industria Fonográfica Británica (BPI por sus siglas en inglés), el cual ha evidenciado que el incremento en las ventas de vinilos durante 2021 han sido las más altas en 30 años. Un hecho que es aún más impresionante teniendo en cuenta los retrasos en su fabricación debido a la crisis de materias primas y transporte, al igual que el aumento de sus costos de producción.

Hasta la tercera semana de diciembre, las ventas de vinilos superaron los cinco millones entre los últimos 12 meses, presentando un incremento del 8% a comparación de 2020 y significando el catorceavo año consecutivo de su crecimiento (su punto más bajo ocurrió en 2007). Según informa Billboard, tan solo en Estados Unidos se vendieron 2,1 millones de vinilos entre el 20 y el 23 de diciembre, resultando en la semana con más ventas de este formato desde 1991.

En el caso de la música latina distribuida en dicho país, The Recording Industry Association of America (RIAA), reveló que durante el primer semestre de este año las ventas físicas solo representan un 1% del total de los ingresos, en gran parte debido a los cierres ocasionados por la pandemia. A pesar de ello, dichas ventas incrementaron en un 125,5% a comparación del mismo periodo de 2020, un hecho positivo pues de acuerdo con la jefe de operaciones de la asociación, Michele Ballantyne, quiere decir que los fanáticos más jóvenes pasan un 20% de su tiempo escuchando música que no es en inglés.

“Es fabuloso ver continuo crecimiento de dos dígitos en la música latina, lo que supera el desempeño sólido que ya hemos visto en otros segmentos y categorías musicales, e impulsa nuevas oportunidades y mayor diversidad en todo nuestro sector”, sostuvo. “En momentos difíciles, los artistas latinos siguen brillando, levantando ánimos y conectándonos a todos”. 

Por su parte, el estudio de la BPI enseñó que más de 100 álbumes vendieron cerca de cinco mil copias en vinilo, mientras que más de 900 títulos vendieron alrededor de mil. “Es un gran momento para ser fan de la música, con una oferta más amplia que nunca y con una gran relación calidad-precio”, dijo el director ejecutivo de BPI, Geoff Taylor, en un comunicado. “Gracias a la inversión de las disqueras en música y talento nuevo, los fanáticos pueden comprar y coleccionar la música que más les gusta en vinilo, CD e incluso casete, al tiempo que disfrutan del acceso a más de 70 millones de canciones en streaming, lo que a su vez le permite a una nueva generación de artistas crear música y consolidar carreras exitosas en un mercado global”.

Aunque las cifras completas serán publicadas el cuatro de enero, Official Charts pronostica que los álbumes más vendidos del año serán 30 de Adele, Voyage de ABBA (cuyo vinilo se consolidó como más rápidamente vendido del siglo), Seventeen Going Under de Sam Fender, = de Ed Sheeran y Blue Weekend de Wolf Alice. Otros discos clásicos como Nevermind de Nirvana, Rumours de Fleetwood Mac y Back To Black de Amy Winehouse también han vendido una gran cantidad de copias en este formato durante 2021.

La BPI explicó que estas ventas fueron hechas en línea, en tiendas independientes, en almacenes de cadena y que además fueron impulsadas por campañas como el National Album Day en Reino Unido y el Record Store Day.

La adquisición de casetes también ha incrementado y, de hecho, los resultados demuestran que en los últimos 12 meses se han vendido 190 mil, la cifra más alta desde 2003. En su noveno año consecutivo de crecimiento en ventas, se reportó que entre los títulos más vendidos en este formato se encuentran Sourde Olivia Rodrigo, Music of the Spheres de Coldplay y Chemtrails Over The Country Club de Lana del Rey.

Pero mientras el vinilo y el casete aumentan su popularidad, el CD parece quedar poco a poco en el olvido debido a las descargas de música y las plataformas de streaming. Pese a que la caída no es abismal, sus ventas han bajado considerablemente durante los últimos 17 años con una disminución del 27% entre 2018 y 2020, con un pronóstico del 12% en 2021.

Aun así el director general de Proper Music Distribution, Drew Hill, se muestra positivo ya que casi el 90% de los trabajos discográficos que ocuparon los primeros puestos en los listados alrededor del mundo lo hicieron en su mayoría gracias a las ventas físicas. “Ha sido un año increíble para los CD, vinilos y casetes que han seguido impulsando álbumes en los listados”, comentó. “Es una prueba más de que en esta era dorada de la libre elección, los fanáticos de la música realmente aprecian un álbum que puedan sostener”.

Así es como bien sea por la nostalgia o por la satisfacción de tener tu música favorita en tus manos, estos formatos se han mantenido más vivos que nunca y no planean irse en un largo rato.




domingo, 3 de julio de 2022

  

                                          

            Nuevo tema de Eminem y Snoop Dogg..!! 

 

Los legendarios del hip hop, a quienes vimos juntos por última vez en el medio tiempo del Super Bowl compartiendo escenario con Dr. Dre, Mary J. Blige y Kendrick Lamar, Eminem y Snoop Dogg han lanzado una nueva canción que vio la luz sin mucho anuncio previo. El estreno de esta colaboración llegó acompañado de un vídeo animado en el que los artistas se embarcan a un mundo cómico con unos cuantos porros encima.

El clip dirigido por James Larese presenta a los dos raperos que se encuentran grabando el tema en el estudio, mientras saltan entre el mundo real y el animado, dejándose llevar en un “viaje” y convirtiéndose en personajes al estilo de Bored Ape, los famosos simios reconocidos en el metaverso de los NFT.  El sencillo fue sorpresa para aquellos que no vieron su adelanto en el Ape Fest que tuvo lugar en Nueva York desde el 20 hasta el 23 de junio. Este año se celebró la segunda edición del evento, el cual es organizado por los mismos creadores del fenómeno digital de monos coleccionables que viven en una cadena de bloques.

From The D 2 The LBC es el segundo sencillo del año de Eminem, pues a principios de este mismo mes dio a conocer otro proyecto colaborativo junto a CeeLo Green con Dr. Dre en la producción, The King and I. Esta canción es parte de la banda sonora del biopic de Elvis que se encuentra actualmente en desarrollo. El tema fue sampleado del icónico swing de Jailhouse Rock, uno de los éxitos más recordados del rey del rock ‘n’ roll.

Por su parte, el rapero también conocido como Snoop Lion, entregó en febrero su último álbum de estudio, Back On Death Row, el cual fue publicado, luego de 26 años, bajo el sello Death Row Records, la reciente adquisición de Dogg a comienzos de este año. Esta discográfica fue la que le otorgó a Snoop y a su carrera el lanzamiento de sus primeros álbumes: Doggystyle en 1993 y Tha Doggfather tres años después.




jueves, 30 de junio de 2022

  


Depeche Mode revela la causa de la muerte de Andy Fletcher. 



El tecladista de Depeche Mode, Andy «Fletch» Fletcher, murió después de sufrir una disección aórtica en su casa el mes pasado a la edad de 60 años.

Martin Gore y Dave Gahan de Depeche Mode revelaron la causa de la muerte del músico, a pedido de su familia, a través den Facebook el lunes 27 de junio. Según la Clínica Mayo, se produce una disección aórtica cuando la capa interna de la arteria principal del cuerpo se desgarra, lo que permite que la sangre fluya rápidamente y divide las capas media e interna de la aorta. Aunque generalmente son poco comunes, las disecciones aórticas a menudo ocurren en hombres de 60 y 70 años; son fatales cuando la sangre atraviesa la pared exterior de la aorta.

En su nota, Gore y Gahan dijeron: “Entonces, aunque fue demasiado, demasiado pronto, [Fletcher] falleció de forma natural y sin sufrimiento prolongado”.

Gore y Gahan agradecieron a los fanáticos por su apoyo en las semanas posteriores a la muerte de Fletcher y dijeron: “Como pueden imaginar, han sido unas semanas extrañas, tristes y desorientadoras para nosotros aquí, por decir lo menos. Pero hemos visto y sentido todo su amor y apoyo, y sabemos que la familia de Andy también”.

La semana pasada, se llevó a cabo en Londres un memorial privado para Fletcher. Aunque hubo lágrimas, la pareja dijo que la ceremonia estuvo “llena de grandes recuerdos de quién era Andy, historias de todos nuestros momentos juntos y algunas buenas risas. Andy fue celebrado en una sala llena de muchos de sus amigos y familiares, nuestra familia inmediata de Depeche Mode y tantas personas que han tocado la vida de Andy y la nuestra a lo largo de los años. Estar todos juntos fue una manera muy especial de recordar a Andy y despedirlo”.

Fletcher fue miembro fundador de Depeche Mode y formó parte del grupo durante más de 40 años, desde su formación oficial en 1980 hasta su LP más reciente, Spirit de 2017. En 2020, él y sus compañeros de banda fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll.


martes, 28 de junio de 2022

  

                              

                          ‘Aserejé’  cumple  20  años.. 


 
 

Lola Muñoz ha explicado el significado de  ‘Aserejé’ o ‘The Ketchup Song’ más veces de las que puede contar, pero lo intentará una vez más: “La canción”, dice la cantante, una de las tres hermanas, junto a Lucía y Pilar, que forman el trío pop español Las Ketchup— ‘se trata de Diego, no de nosotras’.

Diego es el protagonista borracho y amante del hip-hop de la canción, la extraña canción de Las Ketchup de 2002 que alcanzó el número uno en dos docenas de países, ancló un álbum cuatro veces platino y finalmente generó el baile más popular desde la ‘Macarena’. En el centro de la viralidad anterior a la era de YouTube de la canción estaba el baile coreografiado del trío, visto en el video, con su coro incomprensible (más o menos: «aserejé-ja-dejé…»). Pero lo que muchos fanáticos de ‘Aserejé’ de habla inglesa quizás nunca se hayan dado cuenta es que el coro es en sí mismo una manipulación sin sentido del estribillo de otro disco clásico: «Rapper’s Delight», el clásico hip-hop pionero de 1979 de Sugarhill Gang.

“La historia está en que Diego, es fan, la canción trata de Diego, no de nosotras. A Diego le gusta el ‘Rappers Delight’ de los Sugarhill Gang, entonces Diego sale a la calle, Diego se toma sus copas, Diego se ambienta, y ahora Diego se va a la Disco, a escuchar a la canción que le gusta a él, y a él le sale lo mismo que a mi, porque si yo quisiera cantar ese rap, pues me saldria ‘Aserejé’, porque como no tengo mucha idea del inglés”, dicen Las Ketchup a través de Zoom.

20 años después de su lanzamiento, ‘Aserejé’, como tantas rarezas olvidadas del pop, ha recibido una nueva vida a través de TikTok. Una gran cantidad de personas influyentes y YouTubers, desde el grupo de J-pop Rampage hasta el grupo de chicas latinas Angel22 y el cantante pop Ludwig, han resurgido el baile de la canción hecho para TikTok, consolidando su estatus como un símbolo global de la nostalgia de los 2000. (Los videos con la canción se han visto más de 33 millones de veces en la plataforma). Este año Las Ketchup se han embarcado en una gira mundial adecuada para celebrar la canción. 20 aniversario, recorriendo Europa y México. En la apertura de la gira en Madrid en marzo, el trío se vio abrumado por las generaciones más jóvenes de fanáticos que vinieron a escuchar una canción grabada antes de que nacieran. “La gente lo sigue recibiendo con alegría, bailando, cantando, casi como al principio”, dice Lucía. 

‘Aserejé’ se ha convertido en un insólito artefacto del pop, es el peculiar caso de una canción cuya trama acabó prediciendo su propio éxito. ‘Aserejé’ es, en última instancia, una canción sobre amar una pieza musical a pesar de no poder entender ninguna de sus letras, un fenómeno en que la perdurable popularidad de la canción en el mundo de habla no hispana continúa reforzando y replicando.

“Imagina que tú y yo estamos escuchando una canción de K-pop en este momento, y nos encanta, y comenzamos a cantarla en coreano”, dice Pilar. “Los coreanos se reirían mucho de nosotros porque seguramente no estaríamos diciendo ninguna de las palabras correctamente. Bueno, esta es la historia de esta canción: Unas chicas andaluzas están cantando ‘Rapper’s Delight’ de Sugarhill Gang, y empiezan a cantar en inglés, pero no saben cantar en inglés, así que cantan lo que escuchan. – lo que creen que están diciendo”.

Según Billboard, después de que se lanzó la canción y se convirtió instantáneamente en el número uno en América Latina, Sony centró su atención en Europa. “Teníamos un plan para promocionar la canción en los centros turísticos de Europa, y pronto fue imposible escapar de él”, le dice el ejecutivo Mark Bond a Rolling Stone. “La gente se fue a casa de sus vacaciones con la canción en la cabeza, sin querer que la fiesta terminara, y las ventas se dispararon”.

En el lapso de unos pocos meses, Las Ketchup pasó de grabar en la más absoluta oscuridad en su ciudad natal de Córdoba, en el sur de España, a convertirse en uno de los grupos de pop más grandes del mundo. Cuando se lanzó la canción, ni siquiera habían terminado de grabar su álbum debut, Hijas del Tomate, que llegaría a vender más de 3 millones de copias.

“De repente, empezaste a escuchar la canción en todas partes, así que tuvimos que grabar el disco muy rápido”, dice Pilar. “Solo teníamos ocho canciones, pero querían que empezáramos a promocionar ‘Aserejé’ de inmediato. Todo fue muy rápido”.

Durante el resto de 2002, ‘Aserejé’ fue ineludible. El sello produjo remixes (un remix navideño, un remix de “Motown”, un instrumental); cuatro versiones de la canción terminaron en Hijas del Tomate. Las versiones de bandas locales en México y Brasil llegaron a las listas de éxitos; una parodia política surgida en Alemania; un popular pájaro cantor animado conocido como Chichicuilote incluso grabó una versión dirigida a los niños.

Después de que la canción pasara varios meses como la canción más reproducida en Europa, Sony intentó pegar ‘Aserejé’ en los Estados Unidos, reclutando a Manny Benito, quien recientemente había convertido la canción en español ‘Una Noche Más’ de Jennifer Lopez en su éxito pop «’Waiting for Tonight’, para elaborar una versión Spanglish del disco. Pero ni la versión adaptada ni la grabación original se incendiaron: ‘The Ketchup Song’ nunca se lanzó como un sencillo comercial adecuado en los EE. 100 (entre “Disease” de Matchbox Twenty y “No Such Thing” de John Mayer).

Hasta el día de hoy, el grupo no entiende por qué la canción fracasó en los EE. UU. cuando su versión en spanglish encabezó las listas en países de habla inglesa como Inglaterra, Irlanda, Canadá y Australia. “No lo sé”, dice Lola. “Tendrías que preguntarle a los estadounidenses”.

A fines de 2002, la canción comenzó a despegar en Indonesia y Filipinas, pero para entonces, el grupo ya había comenzado a amargarse por su estrellato mundial. En enero de 2003, el grupo le dijo a un periódico chileno que se habían «cansado un poco» de ‘Aserejé’.

Los años siguientes estuvieron plagados de una serie de demandas entre el grupo, Queco y el sello y, finalmente, una demanda fallida de Sugarhill Gang, según el periódico español ABC. Esa red de enredos legales dio como resultado un segundo álbum titulado Un Bloodmary en 2006 que se archivó rápidamente después de su lanzamiento debido a otra demanda que dejó al grupo sin poder continuar grabando. Las Ketchup se negaron a hablar sobre su carrera posterior al ‘Aserejé’ con Rolling Stone. Atrapadas en juicios que les impedían grabar nueva música, según El Mundo, Lucía y Pilar se hicieron peluqueras, mientras que Lola se dedicó a estudiar flamenco y planea escribir una biografía de su padre.

El grupo sigue tan orgulloso como siempre del ‘Aserejé’, que considera que allanó el camino para una mayor apreciación mundial del «pop flamenco español», como dice la banda, que desde entonces se ha integrado a la perfección en la corriente principal estadounidense. gracias a artistas como Rosalía.

“Creo que abrimos las puertas en muchos países”, dice Pilar, “Nuestra música tiene muchas influencias españolas… Y España tuvo la oportunidad de ser una puerta abierta para muchos de los artistas españoles. aquí, y hay muchos artistas aquí en España que tienen tanta riqueza musical”.

Lola tiene una versión más simple de la perdurable popularidad del ‘Aserejé’: «Nuestra música sigue siendo una música divertida, bailable, sin complicaciones», dice. “Cuando decidimos hacer música, fue para quitarle un poco de drama a la vida, para darle una perspectiva feliz y divertida. Esta era la idea.



miércoles, 1 de junio de 2022

  

 

Moonage Daydream’: la historia de David Bowie en Cannes 

 


El director Brett Morgen, conocido también por Kurt Cobain: Montage of Heck, es la mente detrás de la película de David Bowie que será estrenada en el festival de Cannes que inicia el próximo 17 de mayo. Con “acceso sin filtros” a material oficial inédito de la estrella, el largometraje contará la vida y obra de Bowie en los diferentes campos que llenaban de talento al artista.

Después de cuatro años de recopilación de imágenes de archivo nunca antes vistas, Morgen está listo para sacar a la luz una “odisea cinematográfica experiencial”, como describe el patrimonio de la difunta estrella. El filme que se anunció en un comunicado de prensa, destaca que es “un proyecto que muestra cómo el propio Bowie trabajó en varias disciplinas, no sólo en la música y el cine, sino también en la danza, la pintura, la escultura, el collage de vídeo y audio, la escritura de guiones, la actuación y el teatro en vivo”.

A diferencia del biopic Stardust protagonizado por Johnny Flynn que se había estrenado en 2020 el cual no fue aprobado por el patrimonio, ni la familia del artista, este largometraje es el primero que cuenta con el apoyo de la herencia oficial del cantautor británico y se presentará con la voz del mismo Bowie junto a 48 pistas musicales, mezcladas a partir de sus composiciones originales en Dolby Atmos. 

Con el aporte de Tony Visconti, colaborador y productor de David, el mezclador reconocido por la Academia, Paul Massey, el equipo de diseño de sonido de John Warhurst y Nina Hartstone y el productor de efectos visuales, Stefan Nadelman, dan vida a “una experiencia cinematográfica sublime que proporcionará al público un acceso sin restricciones a los archivos personales de Bowie”.

El filme que será distribuido por Universal Pictures Content Group aún no tiene fecha de estreno para cines, sin embargo, se prevé que llegará a las plataformas de streaming HBO y HBO Max a mediados del 2023.

domingo, 29 de mayo de 2022

  

‘Freedom Uncut’: mira el nuevo tráiler del documental de George Michael, narrado y codirigido por el difunto músico 


Un nuevo documental sobre la vida y la carrera de George Michael tendrá un estreno especial en cines el 22 de junio. 
George Michael: Freedom Uncut se describe como el «trabajo final» de Michael en un comunicado, y el difunto músico aparece acreditado como codirector de la película junto con David Austin. Muy involucrado en la realización de la película antes de su muerte en 2016, Michael también proporciona la narración de la película, que ofrecerá una nueva visión de su carrera musical y su vida privada. 
“Quiero dejar canciones, creo que puedo dejar canciones, eso significará algo para las generaciones posteriores”, dice Michael en el nuevo tráiler del documento.
Freedom Uncut narra el período tumultuoso, pero creativamente fructífero, de la vida y la carrera de Michael después del lanzamiento de su debut en solitario de 1987, Faith, luego a través de la creación y lanzamiento de su seguimiento de 1990 Listen Without Prejudice, vol. 1. Además de documentar sus esfuerzos creativos durante este período, el documental también explorará su relación con Anselmo Feleppa, quien murió por complicaciones relacionadas con el SIDA, así como la muerte de la madre de Michael. 
La película contará con una serie de imágenes y fotos del archivo de Michael, así como imágenes nunca antes vistas del video de ‘Freedom! ’90’, dirigido por David Fincher. La película también incluye entrevistas con compañeros y amigos de Michael, incluidos Stevie Wonder, Elton John, Nile Rodgers, Mark Ronson, Ricky Gervais, Mary J. Blige, Liam Gallagher (quien llama a Michael un «Elvis moderno» en el tráiler) y Tony Bennet.

lunes, 23 de mayo de 2022

  

Pink Floyd estaría planeando vender su catálogo musical. 




Pink Floyd sería la próxima banda en unirse a la ola de artistas como Bob Dylan, Bruce Springsteen y Sting que han vendido sus catálogos musicales por grandes sumas de dinero.

De acuerdo con Bloomberg, la agrupación estaría considerando la decisión que incluiría varios de sus discos más aclamados como Dark Side of the Moon. El reporte señala que, en los últimos días, los representantes de la banda han entablado conversaciones con compradores potenciales (de los que aún se desconoce su identidad), por lo que el resultado del proceso tardaría en conocerse públicamente.

No obstante, se estima que el negocio se de por “cientos de millones de dólares” teniendo en cuenta las ventas tan positivas que ha tenido la banda a lo largo de su carrera, resultando en dos de los álbumes más vendidos de la historia. Hasta el momento, ningún representante de la agrupación se ha pronunciado al respecto.

En diciembre de 2021, Springsteen vendió sus masters y los derechos de publicación de todo su trabajo a Sony Music, mientras que este año la misma compañía adquirió los derechos de la obra de Dylan desde su debut en 1962 hasta su último trabajo, Rough and Rowdy Ways (2020).

Hace poco, Keith Richards aseguró que ha conversado con Mick Jagger sobre una posible venta del catálogo de los Rolling Stones, pero sostuvo que no saben si están listos para hacerlo. “Podríamos alargarlo un poco, poner algunas cosas más en él”, comentó el músico. “Lo único que significa vender tu catálogo es una señal de que te estás haciendo viejo”.

sábado, 21 de mayo de 2022

  

Thom Yorke y Jonny Greenwood se divierten en el álbum debut de The Smile 



A la mitad de A Light for Attracting Attention, el álbum debut de Smile, Thom Yorke lanza una pequeña broma: “Don’t bore us, get to the chorus,” “No nos aburras, ve al coro”, arrastra las palabras lentamente casi sin melodía sobre sintetizadores ambientales y un piano lento en «Open the Floodgates». Luego se dobla, gimiendo: “We want the good bits, without your bullshit, and no heartaches.” «Queremos las cosas buenas, sin tus tonterías y sin dolores de cabeza». Estas líneas son el tipo de frases tontas que él y su compañero de Smile, Jonny Greenwood, probablemente han escuchado durante décadas en su otra banda, Radiohead, desde que se aventuraron en un terreno más experimental en OK Computer de 1997. Pero en el contexto de Smile, las palabras de Yorke suenan tan dulces como irónicas (no hay coro a la vista), mientras Greenwood teje texturas de guitarra con eco alrededor de la voz de Yorke. 

The Smile surgió como el proyecto de confinamiento por Covid de Yorke y Greenwood, una oportunidad para trabajar en algunas canciones sin toda la presión de ser los Lennon y McCartney de Radiohead o, tal vez más exactamente, Waters y Gilmour, probablemente para disgusto de los otros tres miembros del grupo, ya que A Light for Attracting Attention contiene parte de la música más fácil de disfrutar de los compositores en años.

Aunque el dúo no ha vuelto a escribir sencillos con coros como «Creep» o «High and Dry» o probado con trends de TikTok, las canciones aquí se sienten más concretas que en álbumes recientes de Radiohead como A Moon Shaped Pool o The King of Limbs. Además de los tonos obvios de Radiohead, el álbum equilibra los intereses del compositor de bandas sonoras Greenwood en la música clásica contemporánea con motivos de piano minimalistas al estilo de Philip Glass, así como toques de líneas de guitarra complejas de King Crimson, arreglos de metales jazzísticos similares a Blackstar de David Bowie y ritmos de krautrock interpretados de lado por el baterista de The Smile, Tom Skinner, que toca regularmente con el grupo de jazz Sons of Kemet. El trío también reclutó al veterano productor de Radiohead, Nigel Godrich, para el LP, que se beneficia de arreglos inteligentes de cuerdas, metales y vientos de madera.

En su mayoría, el álbum refleja las ansiedades de encierro de Yorke con fondos musicales inteligentes que nunca oscurecen las canciones. «Free in the Knowledge», la melodía más sencilla del álbum, yuxtapone versos sobre sentirse «libre sabiendo que un día esto terminará» con un rasgueo acústico al estilo de David Gilmour con una sección de puente esperanzada con cuerdas brillantes sobre las que Yorke canta: “I talked to the face in the mirror … I said it’s time that you deliver, we see through you.” “Hablé con la cara en el espejo… Dije que es hora de que entregues, vemos a través de ti». Es hermoso, conmovedor y directo. Del mismo modo, mientras «Waving a White Flag» lidia con letras como «no pude respirar» y «tiene que haber una salida», un sintetizador difuso hace el trabajo pesado con cambios de acordes esperanzadores y cómodamente adormecidos. Y en «The Opposite», juegan con percusión, miasmas de guitarra al estilo de Robert Fripp y ecos vocales mientras Yorke canta: “Can we have the next contestant please in this logical absurdity?” «¿Podemos tener al próximo concursante, por favor, en este absurdo lógico?».

A medida que se desarrolla el disco, prácticamente se puede escuchar cómo las canciones se convierten en terapia para los músicos mientras tocan y superan su claustrofobia por el Covid: Yorke domina un riff de bajo funky a lo largo de «The Smoke», el trío toca en el alucinante compás de 7/8 en «Pana-Vision», y Greenwood intenta algunas líneas de guitarra elásticas sobre percusión en «“A Hairdryer». Al bajar las apuestas por sí mismos, Yorke y Greenwood suenan como si hubieran sido liberados, sin el estorbo de superarse a sí mismos, una lección que sería inteligente traer de vuelta a su banda principal. Yorke y Greenwood han sabido durante años que no necesitan un coro y todavía hay muchas cosas buenas.

jueves, 19 de mayo de 2022

 

Después de ocho años, My Chemical Romance regresa con ‘The Foundations of Decay  





Después de una espera de ocho años, My Chemical Romance finalmente regresa con una nueva canción, ‘The Foundations of Decay’. Es una explosión clásica de MCR: una epopeya extensa de seis minutos que combina rock emo hasta las vigas con giros inteligentes y se convierte en hardcore y progresivo. 

La llegada de ‘The Foundation of Decay’ se produce cuando My Chemical Romance se prepara para finalmente lanzar su tan esperada gira de reunión. Después de disolverse en 2013, el grupo anunció su regreso en el otoño de 2019 y realizó un solo espectáculo en diciembre, pero la primera ola de Covid-19 los obligó a suspender sus planes de gira . Las fechas se reprogramaron inicialmente para 2021, pero se pospusieron nuevamente debido a las preocupaciones actuales de Covid. La banda ahora está lista para lanzar una gira por el Reino Unido y Europa este mes, con una etapa en América del Norte que comenzará el 20 de agosto en la ciudad de Oklahoma. 

A pesar de todos los planes de la gira, My Chemical Romance no había dicho expresamente si lanzarían nueva música o no (una pista instrumental aparentemente nueva apareció en un adelanto de enero de 2020 para los espectáculos iniciales de la reunión). Aún así, el líder Gerard Way reveló en una entrevista el año pasado que ha estado trabajando en canciones, aunque no especificó si eran para MCR, un proyecto en solitario o algo completamente diferente. 

“Lo que ha estado funcionando últimamente es sentarme con nuestro ingeniero Doug McKean, trabajando en la música, y luego me voy a mi oficina, que solía ser el estudio de pintura de Marion Peck, y me encanta esa habitación y me siento mientras Doug mezcla, modifica, edita, programa más baterías. Literalmente me siento allí y escribo lo más cercano posible de lo que creo que será la letra final, o al menos lo que me siento cómodo cantando en ese momento”, dijo.

El último álbum de estudio de My Chemical Romance, Danger Days: The True Lives of the Fabulous Killjoys, fue lanzado en 2010. Después de su ruptura, lanzaron la compilación May Death Never Stop You en 2014, un conjunto de grandes éxitos que incluía una nueva canción, ‘Fake Your Death’.

miércoles, 18 de mayo de 2022

  

Con su álbum BIEN O MAL, Trueno pelea por el trono del “rap real” 


 


“Hice un disco rascándome los huevos y me pegué”. Así las cosas desde el comienzo: Trueno blanquea los modos de producción de su disco debut y todo lo que sigue es una demostración de que ahora, en BIEN O MAL, algo cambió. Si Atrevido fue una suerte de colección de singles con potencial de hit pero poca cohesión interna, acá hay algo bastante cercano a un concepto, una idea y un mensaje. La dualidad de lo que anda bien versus lo que anda mal rige el ordenamiento de los temas que se anclan en la búsqueda de conectar con las raíces: del hip-hop y de la Argentina. “FUCK EL POLICE” se planta como el primer guiño importante hacia el género en clara alusión al clásico de N.W.A. Y en seguida la conexión local se hace explícita con un sampleo a la guitarra de Atahualpa Yupanqui (“Los ejes de mi carreta”) en “ARGENTINA”, una colaboración con Nathy Peluso en la que el derrotero por todas las provincias del país, Islas Malvinas incluidas, arroja en Formosa una de las construcciones más originales del rapero de La Boca: “Aunque el rumbo se me deformó sacando lo que canto”. 
Estructurado en dos mitades con un interludio (“Manifiesto”) en el medio, BIEN O MAL plantea un lado más combativo (con menciones a Santiago Maldonado, el gatillo fácil y la dictadura) y otro más festivo en el que se acomodan los singles adelanto (“PANAMÁ” con Duki, “JUNGLE” con Randy y Bizarrap y “DANCE CRIP” con la cita a los IKV). Pero si algo se sostiene a lo largo de todo el disco es la solidez de un flow de dientes apretados que navega entre sampleos a Gustavo Cerati (“Sulky” en “TIERRA ZANTA”), bases boom bap, scratches y referencias a clásicos del hip-hop ubicadas como easter eggs (chequear el parecido en la intro de “BIEN O MAL” con la de “The Real Slim Shady”). 

Destinado a reclamar el trono del “rap real” casi por una cuestión de linaje, Trueno siempre se destacó en la escena mainstream por hacer de su flow el arma principal, tal como lo había hecho en las batallas de freestyle. Resuelta esa cuestión desde la cuna, encontrar una identidad sonora y una solidez en la palabra que le permitiera retratar de una manera más profunda que pintoresquista las vicisitudes de patear las calles de La Boca parecía ser el paso necesario en su carrera. En su segundo disco de estudio, Trueno entiende que jugarse por una posición (ideológica y también estética) es más atrevido que demostrar capacidad de contentar a todos. A la escena le hace falta que sus referentes dejen de calcular si cada uno de sus movimientos va a caerles bien o mal a sus seguidores. Y Trueno acaba de dar un paso importante en esa dirección.

martes, 17 de mayo de 2022

  

      Fito Páez cierra una trilogía con un álbum íntimo de solo piano. 

 

Fito cumple y Páez dignifica. Salió el tercer álbum que el músico rosarino había prometido para completar una trilogía de discos editados en apenas seis meses, todos ellos conceptualmente diferentes, con lenguajes e instrumentaciones distintas, pero que, según la visión del autor, juntos componen una misma “obra grande” (los tres se editarán próximamente en una caja para fans y coleccionistas). El primero fue Los años salvajes (de impronta rockera y en banda), el segundo Futurología Arlt (orquestado, una suerte de soundtrack para una imaginaria puesta multidisciplinaria sobre Los siete locos) y ahora este The Golden Light (solo piano, nostálgico, grabado a base de improvisaciones). Tres Fitos, el mismo Páez.

Y probablemente, de manera inconsciente, este álbum, que funciona como epílogo de la trilogía, se podría decir que está atravesado por tres figuras paternas de aquellos tres Fitos. El padre de la niñez, Rodolfo Páez (el de sus primeros días frente al piano allá en la casona de Rosario); el padre de la juventud rabiosa, Charly García (el rockero que lo llevó de la mano a jugar a las grandes ligas); y el padre de la adultez, Gerardo Gandini (el maestro que unió la música erudita con la popular y que, como contó el mismo Páez alguna vez, le abrió las puertas de la libertad musical). 

A Gandini precisamente está dedicado el primer tema del álbum, “El mar de Gerardo”, un instrumental improvisado en el piano del living de su casa, “guiado” por el espíritu del compositor, director y músico argentino, con quien Páez no solo trabajó y grabó en numerosas ocasiones, sino que mantuvo una relación especial debajo de los escenarios durante años. “Vos tocá y no pienses”, dice Fito que le dijo Gerardo y ahí va él en la apertura de The Golden Light, con ocho minutos y tres segundos de delirio y misterio. 

Entonces, en uno de esos temas sin intro casi marca registrada, el segundo track, “Un ángel abrió alas”, la voz de Fito entra y canta: “Apareció la muerte así, medio loca, casi borracha”, casi jugando con el piano, sin ataduras, como poniendo en contexto al álbum. Y así sigue con “Diosa del sol”, en donde uno, si cierra los ojos, hasta se puede sentir en ese living donde todo esto comenzó, con Fito en el piano como anfitrión, aquí más juguetón, abierto a esas novelas de viajes ensoñadoras, citas y referencias: “En Nepal tocaste cuencos/ rezaste al cielo Tattoo You/ lloraste en Bagdad ante los templos/ bailaste la danza de los siete velos/ trasmutada en Salomé/ Ishtar en Babylon/ Saltaste de la Torre Eiffel/ bebiste en el Folies Bergère/ y en Granada te besó el fantasma del poeta muerto/ antes del fusilamiento”. 

A esta altura del disco, tema tres, uno ya está entregado a la exquisitez de escuchar a un pianista excelso, que pinta un cuadro sonoro con una paleta de colores infinita. En ese instante es que Páez decide cantar a capella, apenas con un murmullo de ciudad cosmopolita de fondo, “The Moon Over Manhattan”, en inglés. Una oda (zapada, recitada) a la Gran Manzana en la que recuerda haber escuchado allí a George Gershwin, a Talking Heads, a Sinatra, a Blondie y a Lou Reed. La luz dorada.

En la mitad del álbum, el segundo instrumental de solo piano (el tercero llegará para el cierre), “Cervecería Gorostarzu” e inmediatamente “Hogar”, una canción entregada a la melancolía eterna de sufrir de melancolía. “Tuve una infancia sin madre/ con primos corriendo aquí y allá/ La casa quedó vacía/ Cómo te extraño, papá”, canta Fito, mientras dobla su voz. “Apareció mi papá, el patio de mi casa en Rosario, mi mamá, mis primos, un poco del crecimiento en los años 70 y 80, esa pizzería donde iba con mi viejo”, cuenta Fito sobre la inspiración de este tema en la entrevista que será la próxima nota de tapa de Rolling Stone en Español.

Pegado a ese recuerdo paterno llega “Sus auriculares”, la canción que le escribió a Charly para sus 70 y que estrenó en el concierto ciento por ciento García que ofreció en el Teatro Colón, el año pasado, compuesto casi enteramente con frases que le dijo Charly a lo largo de la vida y con anécdotas compartidas. “Hablaba por los codos/ te miraba y ya te daba vuelta/ Fui su brujo aprendiz/ me enseñó que vivir/ es cagarse de hambre en la calle”… “Escribí lo que es/ lo que nadie quiere ver/ Dale a alguien una máscara y te dirá la verdad”… “Hay que hacer el estribillo/ para que cante la gente/ No juzgues a los demás/ ¿Y por casa cómo andás?”… “Me decía: ‘Hace mucho frío aquí arriba, Fito, en la cima de este mundo’/ A los giles ni cabida/ ayudalo al moribundo/ No escuches al impostor/ y no te olvides que la música/ no es de nadie”.

“Enciende el amor” es probablemente el tema más luminoso del álbum, en el que Páez juega con un par de acordes no más y muestra, como tantas otras veces, su capacidad para crear música ahí donde hacía dos minutos no había nada. En voz aquí lo acompaña Abril Olivera, una de las dos cantantes invitadas (la otra es Etta Craft, en «Diosa del sol»).

El final, como se anticipó, es con un instrumental (uno en la apertura, uno a la mitad, y uno al cierre), “The Golden Light”, y la sensación de haber vivido (compartido) el placer de estar ahí, al lado de Fito Páez, mientras toca, fluye, flota, en el piano de su hogar, mirando hacia atrás, pensando en las cosas que hizo y proyectando las cosas que hará.