martes, 25 de octubre de 2022

 

                           

                   Restauran el material “perdido” 

      del show de Led Zeppelin en el Festival Bath.


 Entre el 27 y el 29 de junio de 1970 se realizó el Bath Festival of Blues and Progressive Music en Somerset, Inglaterra, un encuentro de la contracultura inglesa que reunió grandes actos como Santana, Pink Floyd, The Byrds, Steppenwolf y más. Led Zeppelin encabezó el segundo día del festival y dio la que es considerada por sus fanáticos como una de sus mejores presentaciones.

Como ha ocurrido con el resto de sus conciertos más memorables, el problema ha radicado en que la agrupación grabó muy poco material en vivo –de ahí que la mayoría de videos que se encuentran en internet son grabaciones “piratas” hechas por el mismo público. Hasta esta semana casi no se conocían registros audiovisuales del festival, cuando algunos videos en una calidad sorprendente emergieron.

Según reporta Loudersound, en 2017 el profesor Steve Chibnall de la Universidad De Montfort reveló la existencia de un archivo oficial  de video de tal show, el cual rondaba por los 30 minutos de duración. Los clips fueron capturados por el director Peter Whitehead, quien también estuvo a cargo del documental de los Rolling Stones, Charlie Is My Darling.

“Cuando Led Zeppelin tocó, lo hizo en la oscuridad y no había buenas condiciones de luz para sus cámaras”, le dijo el profesor al editor del libro Tight But Loose, Dave Lewis, durante un panel realizado en el Royal Albert Hall de Londres. “Así que [Whitehead] explicó que la grabación no podía usarse. Ahora sí porque puede ser restaurada, puedes elevar los niveles de luz para que se vea más digital”. Para Chibnall, quien hace cinco años trabajó en el archivo audiovisual de la universidad, el paso a seguir era contactar con los representantes de la banda para discutir temas de copyright y así, publicar la cinta en la celebración de los 50 años del festival.

Los clips ya se pueden apreciar en el canal de YouTube de Kinolibrary, y pese a que ninguno tiene audio, en ellos se puede apreciar al público que disfrutó por tres horas a Led Zeppelin, a Robert Plant conversando con fans, a la banda preparándose para subir al escenario y posteriormente tocando frente a miles de personas.


domingo, 23 de octubre de 2022

  

        

Repasando la historia de Depeche Mode: 

amistad, adversidades y rock electrónico
 

Los primeros indicios de lo que algún día se convertiría en Depeche Mode surgen en la segunda mitad de la década de los setenta en Inglaterra con No Romance In China, un grupo conformado por Vince Clarke y Andrew Fletcher, dos jóvenes con menos de 20 años en búsqueda de su identidad musical.

Después de un tiempo Clarke, al ver que el dúo no había logrado nada significativo, creó French Look, con Martin Gore y Rob Marlow. En 1979, Fletcher volvió para reemplazar a Marlow y así se formó Composition of Sound. Durante uno de sus ensayos, Clarke escuchó a una voz cantando ‘Heroes’, de David Bowie. Esa voz era de un chico llamado Dave Gahan.

Gahan se unió al grupo en 1980, al mismo tiempo que Gore y Fletcher cambiaron sus guitarras por sintetizadores para otorgar a su música el sonido electrónico que ahora es muy característico del grupo británico. El nuevo carismático vocalista, mientras ojeaba una revista de moda francesa, leyó un nombre que se quedaría en la memoria colectiva de toda una generación: así se bautizó Depeche Mode.

Después de un tiempo, el grupo conformado por Andrew Fletcher, Vince Clarke, Martin Gore y Dave Gahan grabó su primera canción para una compilación del sello discográfico Some Bizzarre que tenía temas de bandas que estaban surgiendo en la escena de esos momentos, como Soft Cell o The The. Así surge ‘Photographic’.


jueves, 20 de octubre de 2022

  

     

       El tao de David Bowie.


Brett Morgen recuerda el día que conoció a David Bowie. El documentalista les compartió a Bowie y sus asociados la idea para una colaboración en un “una película experimental híbrida”, cuando el artista comenzó a insultar sus películas. “Sentía que estaba siendo evaluado”, recuerda Morgen. Luego alguien le preguntó cuál era su álbum favorito de Bowie, “Les dije que no había apreciado nada de lo que había hecho desde 1983, y David me respondió ‘Touché’”.
Después de la muerte de Bowie en 2016, su asesor financiero, Bill Zysblat, recordó la propuesta de Morgen y le hizo una oferta. “Hemos guardado todo”, recuerda Morgen, “David nunca quiso hacer un documental tradicional, por lo que no sabíamos qué hacer con todo esto. Pero tal vez tú sí”.
Ese fue el comienzo de Moonage Daydream, el retrato al estilo monólogo interior del difunto artista como un filósofo cósmico y un bromista glam, que combina viejas presentaciones, clips inéditos y entrevistas que abarcan toda su carrera. Probablemente ese fue uno de los diversos comienzos. Para el director, el proyecto se convirtió en una odisea de cinco años que incluye una experiencia cercana a la muerte, un viaje en tren a Nuevo México y un replanteamiento radical de lo que significa el equilibrio entre lo profesional y lo personal.
“Quería darle a la gente una noción de quién fue Bowie”, afirma Morgen antes de tomar una bocanada de aire, y agregar que, durante el proceso, “yo también perdí la cabeza”. Con acceso total al archivo de Bowie, el director consumió cada archivo multimedia que encontró; así fue cómo también realizó Crossfire Hurricane (2012), su perspectiva de los Rolling Stones, y Montage of Heck (2015), sobre Kurt Cobain. Pronto, todo lo relacionado a Bowie lo abrumó. Su fan interior estaba en el cielo, pero no podía encontrar el hilo conductor. Y después, el 5 de enero de 2017, Morgen sufrió un terrible infarto, estuvo inmóvil por tres minutos y luego cayó en coma durante cinco días.
Cuando el director despertó, todo había cambiado. “Mi vida estaba completamente desequilibrada”, comenta. “Estaba perdido y necesitaba volver a aprender a vivir y respirar”. Cuando volvió a las entrevistas, presentaciones televisivas y conciertos de Bowie, Morgen comenzó a retomar lo que consideraba una guía para vivir una vida más presente, cómo no dejar pasar el tiempo. Lo que ocurrió después es la parte de “perder la cabeza”: “Desperté un día y tomé un vuelo desde Los Ángeles a Albuquerque. Luego tomé un taxi a la estación de tren y decidí que iba a viajar hasta descifrar el código”.


lunes, 17 de octubre de 2022

  


                                    Red Hot Chili Peppers llegan:

                         con 75 minutos de muy buenas sobras 

 

La continuidad de los Red Hot Chili Peppers en 2022 hubiera sido muy difícil de imaginar hace casi 40 años, cuando empezaban su camino como uno de los actos punk más funky que alguna vez llenaron estadios; vivían demasiado rápido, como ellos mismos han admitido. Y henos aquí. Los Peppers son una de las últimas bandas restantes del alt-rock de la vieja escuela, un símbolo de la energía semi-underground de los 80, del estrellato y los problemas con las drogas del alt-rock de los 90, y de la reinvención del siglo XXI. Ahora, son sobrevivientes épicos y veteranos respetados, capaces de encabezar el line-up de un festival y de ir musicalmente a donde quieran.

Return of the Dream Canteen, el decimotercer álbum de estudio de la banda, contiene un manojo de canciones que grabaron al mismo tiempo que su más reciente lanzamiento, Unlimited Love, disco también también de este año que marcó la primera colaboración con el productor Rick Rubin desde 2011, así como el regreso de John Frusciante, el guitarrista de la época dorada de la banda que abandonó el grupo en 2009. En dicho álbum, RHCP volvió al funk rock de clásicos como Californication. El nuevo disco, que con 75 minutos es incluso más largo que su antecesor, es prácticamente Unlimited Love Parte II: una especie de medida temporal, pero también una buena coda.

Dream Canteen ve a los Peppers meditar sobre su propio estilo (el primer sencillo ‘Tippa My Tongue’ tiene el sello clásico de la banda), las falsedades de la vida (‘Fake as F@ck’) y el amor y la paz (‘Peace and Love’). ‘Eddie’ es un tributo a Eddie Van Halen; la guitarra etérea de Frusciante quedaría bien en un álbum de Pavement, y luego Anthony Kiedis nos regresa a la Tierra con la letra “Got hammers in both my hands, such a delicate touch / They say I’m from Amsterdam, does that make me Dutch?” “Tengo martillos en ambas manos, un toque muy delicado / Dicen que soy de Ámsterdam, ¿me hace eso neerlandés?”. También hay algunas piezas extrañamente satisfactorias, como la oda con beats y sintetizadores dedicada al fumar, titulada adecuadamente ‘My Cigarette’. Línea inspiradora: “Don’t know how happy that a person can get” “No sé lo feliz que una persona puede ser”.

Su arma no tan secreta es, casi siempre, el genio intermitente de la casa, Frusciante. Sigue siendo uno de los guitarristas más creativos de su generación (puedes escuchar sus álbumes como solista para terminar de darte una idea). Incluso quienes odian vehemente a los Peppers admiten que es un placer escuchar su trabajo, desde su dulcemente alegre solo en ‘Eddie’ hasta la delicadeza que muestra en ‘Handful’. Pueden seguir haciendo esto prácticamente para siempre, es enteramente posible que vayan a hacerlo, y eso está profundamente bien.



domingo, 16 de octubre de 2022

                                                   

                            

                         Feliz cumple años  Jean Cloud Van Damme.

 

16 de octubre 1960
  • Uno de los actores del cine de artes marciales más populares de Hollywood.
  • Películas: Contacto sangriento, Kickboxer, Doble impacto...
  • Artes marciales: Karate, Kickboxing, Muay Thai, Taekwondo
  • Padres: Eliana y Eugène Van Varenberg
  • Cónyuges: María Rodríguez (m. 1980-1984), Cynthia Derderian (m. 1985-1986), Darcy LaPier (m. 1994-1997), Gladys Portugues (m. 1987-1992; 1999-2015)
  • Hijos: Bianca Bree, Kristopher, Nicholas
  • Nombre: Jean-Claude Camille François Van Varenberg
  • Altura: 1,77 m


 

                                  

                          Queen comparte ‘Face it Alone’, su canción 

                                     “olvidada” con Freddie Mercury.


Luego de haber revelado la existencia de una canción inédita hecha junto a Freddie Mercury en 1988, Queen por fin ha publicado ‘Face it Alone’. El tema desgarrador fue creado durante el proceso de grabación de The Miracle, pero no había visto la luz ya que ni la banda ni su equipo de producción hallaban la forma de salvarlo.

Para las sesiones del disco, que fue el penúltimo producido con el cantante en vida, se grabaron alrededor de 30 canciones pero solo un tercio pasó el corte. El resto de material fue guardado, incluyendo este último lanzamiento, para ser redescubierto en medio de la revisión de los archivos de la agrupación para la reedición del LP que llegará el 18 de noviembre.

“Encontramos una pequeña joya de Freddie que habíamos olvidado”, le dijo Roger Taylor a BBC Radio 2 en junio pasado. “Y es maravillosa. De hecho, fue un gran descubrimiento. Es de las sesiones de The Miracle. Es una pieza apasionante”.

“Prácticamente se estaba ocultando a plena vista porque la revisamos muchas veces y pensamos, ‘No, realmente no podemos rescatarla’”, añadió Brian May. “Pero de hecho, la examinamos de nuevo y nuestro equipo de ingeniería nos dijo, ‘Podemos hacer esto y esto’. Fue como unir fragmentos, pero es bellísima y conmovedora”.

Face it Alone’ es una de las seis canciones inéditas que se incluirán en la colección de ocho discos por The Miracle, uno de ellos presentará una hora de material que jamás había visto la luz hasta ahora. El set también contará con conversaciones de Mercury, Taylor, May y John Deacon en el estudio de grabación, tomas originales y alternas, y algunos demos.

 

miércoles, 6 de julio de 2022

  

  

La popularidad de los vinilos y los casetes continúa en aumento. 


 

Es indiscutible que la era digital ha cambiado la manera en la que se consume la música, pues mientras antes el acceso a los nuevos lanzamientos era más limitado, ahora estos están tan solo a un clic de distancia. Pero contrario a lo que se creería, formatos físicos como el vinilo e incluso el casete han tenido un regreso extraordinario.

Esta información está respaldada por un nuevo estudio de la Industria Fonográfica Británica (BPI por sus siglas en inglés), el cual ha evidenciado que el incremento en las ventas de vinilos durante 2021 han sido las más altas en 30 años. Un hecho que es aún más impresionante teniendo en cuenta los retrasos en su fabricación debido a la crisis de materias primas y transporte, al igual que el aumento de sus costos de producción.

Hasta la tercera semana de diciembre, las ventas de vinilos superaron los cinco millones entre los últimos 12 meses, presentando un incremento del 8% a comparación de 2020 y significando el catorceavo año consecutivo de su crecimiento (su punto más bajo ocurrió en 2007). Según informa Billboard, tan solo en Estados Unidos se vendieron 2,1 millones de vinilos entre el 20 y el 23 de diciembre, resultando en la semana con más ventas de este formato desde 1991.

En el caso de la música latina distribuida en dicho país, The Recording Industry Association of America (RIAA), reveló que durante el primer semestre de este año las ventas físicas solo representan un 1% del total de los ingresos, en gran parte debido a los cierres ocasionados por la pandemia. A pesar de ello, dichas ventas incrementaron en un 125,5% a comparación del mismo periodo de 2020, un hecho positivo pues de acuerdo con la jefe de operaciones de la asociación, Michele Ballantyne, quiere decir que los fanáticos más jóvenes pasan un 20% de su tiempo escuchando música que no es en inglés.

“Es fabuloso ver continuo crecimiento de dos dígitos en la música latina, lo que supera el desempeño sólido que ya hemos visto en otros segmentos y categorías musicales, e impulsa nuevas oportunidades y mayor diversidad en todo nuestro sector”, sostuvo. “En momentos difíciles, los artistas latinos siguen brillando, levantando ánimos y conectándonos a todos”. 

Por su parte, el estudio de la BPI enseñó que más de 100 álbumes vendieron cerca de cinco mil copias en vinilo, mientras que más de 900 títulos vendieron alrededor de mil. “Es un gran momento para ser fan de la música, con una oferta más amplia que nunca y con una gran relación calidad-precio”, dijo el director ejecutivo de BPI, Geoff Taylor, en un comunicado. “Gracias a la inversión de las disqueras en música y talento nuevo, los fanáticos pueden comprar y coleccionar la música que más les gusta en vinilo, CD e incluso casete, al tiempo que disfrutan del acceso a más de 70 millones de canciones en streaming, lo que a su vez le permite a una nueva generación de artistas crear música y consolidar carreras exitosas en un mercado global”.

Aunque las cifras completas serán publicadas el cuatro de enero, Official Charts pronostica que los álbumes más vendidos del año serán 30 de Adele, Voyage de ABBA (cuyo vinilo se consolidó como más rápidamente vendido del siglo), Seventeen Going Under de Sam Fender, = de Ed Sheeran y Blue Weekend de Wolf Alice. Otros discos clásicos como Nevermind de Nirvana, Rumours de Fleetwood Mac y Back To Black de Amy Winehouse también han vendido una gran cantidad de copias en este formato durante 2021.

La BPI explicó que estas ventas fueron hechas en línea, en tiendas independientes, en almacenes de cadena y que además fueron impulsadas por campañas como el National Album Day en Reino Unido y el Record Store Day.

La adquisición de casetes también ha incrementado y, de hecho, los resultados demuestran que en los últimos 12 meses se han vendido 190 mil, la cifra más alta desde 2003. En su noveno año consecutivo de crecimiento en ventas, se reportó que entre los títulos más vendidos en este formato se encuentran Sourde Olivia Rodrigo, Music of the Spheres de Coldplay y Chemtrails Over The Country Club de Lana del Rey.

Pero mientras el vinilo y el casete aumentan su popularidad, el CD parece quedar poco a poco en el olvido debido a las descargas de música y las plataformas de streaming. Pese a que la caída no es abismal, sus ventas han bajado considerablemente durante los últimos 17 años con una disminución del 27% entre 2018 y 2020, con un pronóstico del 12% en 2021.

Aun así el director general de Proper Music Distribution, Drew Hill, se muestra positivo ya que casi el 90% de los trabajos discográficos que ocuparon los primeros puestos en los listados alrededor del mundo lo hicieron en su mayoría gracias a las ventas físicas. “Ha sido un año increíble para los CD, vinilos y casetes que han seguido impulsando álbumes en los listados”, comentó. “Es una prueba más de que en esta era dorada de la libre elección, los fanáticos de la música realmente aprecian un álbum que puedan sostener”.

Así es como bien sea por la nostalgia o por la satisfacción de tener tu música favorita en tus manos, estos formatos se han mantenido más vivos que nunca y no planean irse en un largo rato.




domingo, 3 de julio de 2022

  

                                          

            Nuevo tema de Eminem y Snoop Dogg..!! 

 

Los legendarios del hip hop, a quienes vimos juntos por última vez en el medio tiempo del Super Bowl compartiendo escenario con Dr. Dre, Mary J. Blige y Kendrick Lamar, Eminem y Snoop Dogg han lanzado una nueva canción que vio la luz sin mucho anuncio previo. El estreno de esta colaboración llegó acompañado de un vídeo animado en el que los artistas se embarcan a un mundo cómico con unos cuantos porros encima.

El clip dirigido por James Larese presenta a los dos raperos que se encuentran grabando el tema en el estudio, mientras saltan entre el mundo real y el animado, dejándose llevar en un “viaje” y convirtiéndose en personajes al estilo de Bored Ape, los famosos simios reconocidos en el metaverso de los NFT.  El sencillo fue sorpresa para aquellos que no vieron su adelanto en el Ape Fest que tuvo lugar en Nueva York desde el 20 hasta el 23 de junio. Este año se celebró la segunda edición del evento, el cual es organizado por los mismos creadores del fenómeno digital de monos coleccionables que viven en una cadena de bloques.

From The D 2 The LBC es el segundo sencillo del año de Eminem, pues a principios de este mismo mes dio a conocer otro proyecto colaborativo junto a CeeLo Green con Dr. Dre en la producción, The King and I. Esta canción es parte de la banda sonora del biopic de Elvis que se encuentra actualmente en desarrollo. El tema fue sampleado del icónico swing de Jailhouse Rock, uno de los éxitos más recordados del rey del rock ‘n’ roll.

Por su parte, el rapero también conocido como Snoop Lion, entregó en febrero su último álbum de estudio, Back On Death Row, el cual fue publicado, luego de 26 años, bajo el sello Death Row Records, la reciente adquisición de Dogg a comienzos de este año. Esta discográfica fue la que le otorgó a Snoop y a su carrera el lanzamiento de sus primeros álbumes: Doggystyle en 1993 y Tha Doggfather tres años después.




jueves, 30 de junio de 2022

  


Depeche Mode revela la causa de la muerte de Andy Fletcher. 



El tecladista de Depeche Mode, Andy «Fletch» Fletcher, murió después de sufrir una disección aórtica en su casa el mes pasado a la edad de 60 años.

Martin Gore y Dave Gahan de Depeche Mode revelaron la causa de la muerte del músico, a pedido de su familia, a través den Facebook el lunes 27 de junio. Según la Clínica Mayo, se produce una disección aórtica cuando la capa interna de la arteria principal del cuerpo se desgarra, lo que permite que la sangre fluya rápidamente y divide las capas media e interna de la aorta. Aunque generalmente son poco comunes, las disecciones aórticas a menudo ocurren en hombres de 60 y 70 años; son fatales cuando la sangre atraviesa la pared exterior de la aorta.

En su nota, Gore y Gahan dijeron: “Entonces, aunque fue demasiado, demasiado pronto, [Fletcher] falleció de forma natural y sin sufrimiento prolongado”.

Gore y Gahan agradecieron a los fanáticos por su apoyo en las semanas posteriores a la muerte de Fletcher y dijeron: “Como pueden imaginar, han sido unas semanas extrañas, tristes y desorientadoras para nosotros aquí, por decir lo menos. Pero hemos visto y sentido todo su amor y apoyo, y sabemos que la familia de Andy también”.

La semana pasada, se llevó a cabo en Londres un memorial privado para Fletcher. Aunque hubo lágrimas, la pareja dijo que la ceremonia estuvo “llena de grandes recuerdos de quién era Andy, historias de todos nuestros momentos juntos y algunas buenas risas. Andy fue celebrado en una sala llena de muchos de sus amigos y familiares, nuestra familia inmediata de Depeche Mode y tantas personas que han tocado la vida de Andy y la nuestra a lo largo de los años. Estar todos juntos fue una manera muy especial de recordar a Andy y despedirlo”.

Fletcher fue miembro fundador de Depeche Mode y formó parte del grupo durante más de 40 años, desde su formación oficial en 1980 hasta su LP más reciente, Spirit de 2017. En 2020, él y sus compañeros de banda fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll.


martes, 28 de junio de 2022

  

                              

                          ‘Aserejé’  cumple  20  años.. 


 
 

Lola Muñoz ha explicado el significado de  ‘Aserejé’ o ‘The Ketchup Song’ más veces de las que puede contar, pero lo intentará una vez más: “La canción”, dice la cantante, una de las tres hermanas, junto a Lucía y Pilar, que forman el trío pop español Las Ketchup— ‘se trata de Diego, no de nosotras’.

Diego es el protagonista borracho y amante del hip-hop de la canción, la extraña canción de Las Ketchup de 2002 que alcanzó el número uno en dos docenas de países, ancló un álbum cuatro veces platino y finalmente generó el baile más popular desde la ‘Macarena’. En el centro de la viralidad anterior a la era de YouTube de la canción estaba el baile coreografiado del trío, visto en el video, con su coro incomprensible (más o menos: «aserejé-ja-dejé…»). Pero lo que muchos fanáticos de ‘Aserejé’ de habla inglesa quizás nunca se hayan dado cuenta es que el coro es en sí mismo una manipulación sin sentido del estribillo de otro disco clásico: «Rapper’s Delight», el clásico hip-hop pionero de 1979 de Sugarhill Gang.

“La historia está en que Diego, es fan, la canción trata de Diego, no de nosotras. A Diego le gusta el ‘Rappers Delight’ de los Sugarhill Gang, entonces Diego sale a la calle, Diego se toma sus copas, Diego se ambienta, y ahora Diego se va a la Disco, a escuchar a la canción que le gusta a él, y a él le sale lo mismo que a mi, porque si yo quisiera cantar ese rap, pues me saldria ‘Aserejé’, porque como no tengo mucha idea del inglés”, dicen Las Ketchup a través de Zoom.

20 años después de su lanzamiento, ‘Aserejé’, como tantas rarezas olvidadas del pop, ha recibido una nueva vida a través de TikTok. Una gran cantidad de personas influyentes y YouTubers, desde el grupo de J-pop Rampage hasta el grupo de chicas latinas Angel22 y el cantante pop Ludwig, han resurgido el baile de la canción hecho para TikTok, consolidando su estatus como un símbolo global de la nostalgia de los 2000. (Los videos con la canción se han visto más de 33 millones de veces en la plataforma). Este año Las Ketchup se han embarcado en una gira mundial adecuada para celebrar la canción. 20 aniversario, recorriendo Europa y México. En la apertura de la gira en Madrid en marzo, el trío se vio abrumado por las generaciones más jóvenes de fanáticos que vinieron a escuchar una canción grabada antes de que nacieran. “La gente lo sigue recibiendo con alegría, bailando, cantando, casi como al principio”, dice Lucía. 

‘Aserejé’ se ha convertido en un insólito artefacto del pop, es el peculiar caso de una canción cuya trama acabó prediciendo su propio éxito. ‘Aserejé’ es, en última instancia, una canción sobre amar una pieza musical a pesar de no poder entender ninguna de sus letras, un fenómeno en que la perdurable popularidad de la canción en el mundo de habla no hispana continúa reforzando y replicando.

“Imagina que tú y yo estamos escuchando una canción de K-pop en este momento, y nos encanta, y comenzamos a cantarla en coreano”, dice Pilar. “Los coreanos se reirían mucho de nosotros porque seguramente no estaríamos diciendo ninguna de las palabras correctamente. Bueno, esta es la historia de esta canción: Unas chicas andaluzas están cantando ‘Rapper’s Delight’ de Sugarhill Gang, y empiezan a cantar en inglés, pero no saben cantar en inglés, así que cantan lo que escuchan. – lo que creen que están diciendo”.

Según Billboard, después de que se lanzó la canción y se convirtió instantáneamente en el número uno en América Latina, Sony centró su atención en Europa. “Teníamos un plan para promocionar la canción en los centros turísticos de Europa, y pronto fue imposible escapar de él”, le dice el ejecutivo Mark Bond a Rolling Stone. “La gente se fue a casa de sus vacaciones con la canción en la cabeza, sin querer que la fiesta terminara, y las ventas se dispararon”.

En el lapso de unos pocos meses, Las Ketchup pasó de grabar en la más absoluta oscuridad en su ciudad natal de Córdoba, en el sur de España, a convertirse en uno de los grupos de pop más grandes del mundo. Cuando se lanzó la canción, ni siquiera habían terminado de grabar su álbum debut, Hijas del Tomate, que llegaría a vender más de 3 millones de copias.

“De repente, empezaste a escuchar la canción en todas partes, así que tuvimos que grabar el disco muy rápido”, dice Pilar. “Solo teníamos ocho canciones, pero querían que empezáramos a promocionar ‘Aserejé’ de inmediato. Todo fue muy rápido”.

Durante el resto de 2002, ‘Aserejé’ fue ineludible. El sello produjo remixes (un remix navideño, un remix de “Motown”, un instrumental); cuatro versiones de la canción terminaron en Hijas del Tomate. Las versiones de bandas locales en México y Brasil llegaron a las listas de éxitos; una parodia política surgida en Alemania; un popular pájaro cantor animado conocido como Chichicuilote incluso grabó una versión dirigida a los niños.

Después de que la canción pasara varios meses como la canción más reproducida en Europa, Sony intentó pegar ‘Aserejé’ en los Estados Unidos, reclutando a Manny Benito, quien recientemente había convertido la canción en español ‘Una Noche Más’ de Jennifer Lopez en su éxito pop «’Waiting for Tonight’, para elaborar una versión Spanglish del disco. Pero ni la versión adaptada ni la grabación original se incendiaron: ‘The Ketchup Song’ nunca se lanzó como un sencillo comercial adecuado en los EE. 100 (entre “Disease” de Matchbox Twenty y “No Such Thing” de John Mayer).

Hasta el día de hoy, el grupo no entiende por qué la canción fracasó en los EE. UU. cuando su versión en spanglish encabezó las listas en países de habla inglesa como Inglaterra, Irlanda, Canadá y Australia. “No lo sé”, dice Lola. “Tendrías que preguntarle a los estadounidenses”.

A fines de 2002, la canción comenzó a despegar en Indonesia y Filipinas, pero para entonces, el grupo ya había comenzado a amargarse por su estrellato mundial. En enero de 2003, el grupo le dijo a un periódico chileno que se habían «cansado un poco» de ‘Aserejé’.

Los años siguientes estuvieron plagados de una serie de demandas entre el grupo, Queco y el sello y, finalmente, una demanda fallida de Sugarhill Gang, según el periódico español ABC. Esa red de enredos legales dio como resultado un segundo álbum titulado Un Bloodmary en 2006 que se archivó rápidamente después de su lanzamiento debido a otra demanda que dejó al grupo sin poder continuar grabando. Las Ketchup se negaron a hablar sobre su carrera posterior al ‘Aserejé’ con Rolling Stone. Atrapadas en juicios que les impedían grabar nueva música, según El Mundo, Lucía y Pilar se hicieron peluqueras, mientras que Lola se dedicó a estudiar flamenco y planea escribir una biografía de su padre.

El grupo sigue tan orgulloso como siempre del ‘Aserejé’, que considera que allanó el camino para una mayor apreciación mundial del «pop flamenco español», como dice la banda, que desde entonces se ha integrado a la perfección en la corriente principal estadounidense. gracias a artistas como Rosalía.

“Creo que abrimos las puertas en muchos países”, dice Pilar, “Nuestra música tiene muchas influencias españolas… Y España tuvo la oportunidad de ser una puerta abierta para muchos de los artistas españoles. aquí, y hay muchos artistas aquí en España que tienen tanta riqueza musical”.

Lola tiene una versión más simple de la perdurable popularidad del ‘Aserejé’: «Nuestra música sigue siendo una música divertida, bailable, sin complicaciones», dice. “Cuando decidimos hacer música, fue para quitarle un poco de drama a la vida, para darle una perspectiva feliz y divertida. Esta era la idea.



miércoles, 1 de junio de 2022

  

 

Moonage Daydream’: la historia de David Bowie en Cannes 

 


El director Brett Morgen, conocido también por Kurt Cobain: Montage of Heck, es la mente detrás de la película de David Bowie que será estrenada en el festival de Cannes que inicia el próximo 17 de mayo. Con “acceso sin filtros” a material oficial inédito de la estrella, el largometraje contará la vida y obra de Bowie en los diferentes campos que llenaban de talento al artista.

Después de cuatro años de recopilación de imágenes de archivo nunca antes vistas, Morgen está listo para sacar a la luz una “odisea cinematográfica experiencial”, como describe el patrimonio de la difunta estrella. El filme que se anunció en un comunicado de prensa, destaca que es “un proyecto que muestra cómo el propio Bowie trabajó en varias disciplinas, no sólo en la música y el cine, sino también en la danza, la pintura, la escultura, el collage de vídeo y audio, la escritura de guiones, la actuación y el teatro en vivo”.

A diferencia del biopic Stardust protagonizado por Johnny Flynn que se había estrenado en 2020 el cual no fue aprobado por el patrimonio, ni la familia del artista, este largometraje es el primero que cuenta con el apoyo de la herencia oficial del cantautor británico y se presentará con la voz del mismo Bowie junto a 48 pistas musicales, mezcladas a partir de sus composiciones originales en Dolby Atmos. 

Con el aporte de Tony Visconti, colaborador y productor de David, el mezclador reconocido por la Academia, Paul Massey, el equipo de diseño de sonido de John Warhurst y Nina Hartstone y el productor de efectos visuales, Stefan Nadelman, dan vida a “una experiencia cinematográfica sublime que proporcionará al público un acceso sin restricciones a los archivos personales de Bowie”.

El filme que será distribuido por Universal Pictures Content Group aún no tiene fecha de estreno para cines, sin embargo, se prevé que llegará a las plataformas de streaming HBO y HBO Max a mediados del 2023.